Fotos: clavicordios

Anónimo, Holanda, 1700

Anónimo, Alemania, 1752

Hieronymus Albrecht Hass, Hamburg, 1728

Christian Gottlob Huvert, Ansbach, 1784

{Réplica del mismo; Stefan Schafft, Berlín, 1997}

Johann Gottlob Horn, Nickern- Dresden, 1793

Johann Heinrich Silbermann, Strassburg, 1775

{Museo de Instrumentos Musicales, Berlín}

Escrito por Clara Á. Luna

Fotos: pianofortes

Johann Ludwig Hellen, Berna, 1779

Johann Andreas Stein, Augsburg, 1775

Pascal Taskin, París, 1787

Johann Heinrich Silbermann, Strassburg, 1776

{Museo de Instrumentos Musicales, Berlín}

Escrito por Clara Á. Luna

Franz Joseph Haydn; sonatas para piano

Franz Joseph Haydn (1732-1809)

Haydn y la música

Es uno de los máximos representantes del periodo clasicista, además de ser conocido como el «Padre de la sinfonía» y el «Padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío para piano y en la evolución de la forma sonata. En la época de su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa. Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang Amadeus Mozart y fue profesor de Ludwig van Beethoven.

La vida de Franz Joseph Haydn está marcada por el hecho de haber nacido en una familia humilde en la que recibió su primera y más influyente formación, que fueron las canciones que oía cantar a sus padres. Su infancia fue bastante trágica: con tan sólo seis años marchó de su casa para ir a estudiar música, y fueron años duros para él, sobre todo por la escasez de comida. Más adelante tuvo un periodo autodidacta, dando lecciones de música y tocando para ganarse la vida. Al contrario que otros músicos, presentados como prodigios y viviendo en palacios, Haydn lo consiguió todo por su propia mano.

Se considera que la forma sonata, tal y como hoy la conocemos, empezó a consolidarse sobre las bases creadas, entre otros, por uno de los hijos Bach, Carl Philip Emanuel, y cuyos perfiles clásicos fueron definitivamente establecidos por Haydn y Mozart. Haydn es también considerado frecuentemente como "el padre de la sinfonía" (escribió 104 sinfonías). Además compuso los primeros cuartetos de cuerda como lo que se considera hoy en día forma estándar. Esta forma musical comenzó a ser utilizada en la primera mitad del siglo XVIII. Los primeros trabajos de Haydn (para cuarteto de cuerdas) constaban de 5 movimientos, pero más adelante están compuestos en cuatro movimientos, uno rápido, uno lento, un minueto y trío y un final rápido. Puesto que este ejemplo ayudó a desarrollarlo, se le conoce a este autor como el “padre del cuarteto de cuerdas”.

Manuscrito de Haydn

Haydn y sus sonatas para piano

La obra de Haydn fue fundamental en el desarrollo de lo que se denominó forma sonata. Sin embargo, su práctica difiere en algunos puntos de las de Mozart y Beethoven, sus coetáneos más jóvenes que también destacaron en esta forma de composición. Haydn fue particularmente aficionado a la llamada «exposición monotemática», en la que la música establecida en la sección de la dominante es similar o idéntica al tema de apertura. Haydn también difiere de Mozart y Beethoven en sus secciones de recapitulación, donde Haydn a menudo reorganiza el orden de los temas en comparación a la exposición y utiliza un amplio desarrollo temático.

Una de las características más destacable de su música, reflejada también en sus sonatas para piano es su humor; un famoso ejemplo es el repentino acorde agudo en el movimiento lento de su Sinfonía Sorpresa. Como él mismo decía: "Hay aquí abajo tan pocos hombres alegres que siento que mi música podría sacarles de sus preocupaciones y eso me da fuerzas...".

Haydn no fue considerado en vida un virtuoso del teclado, sino fundamentalmente del violín. Sin embargo, la altura musical e instrumental en que está compuesta su música para tecla nos permite sospechar que su dominio de este instrumento también era considerable, y que aumentó a lo largo de los años.

El esquema formal de las sonatas de Haydn no difiere mucho del empleado en sus cuartetos o sinfonías:

- Se tiende a las tonalidades mayores.

- Se organizan habitualmente en tres tiempos. El segundo o tercero son minueto o tiempo de minueto en las primeras sonatas, pero después se convierten en complejas arias elaboradas, en forma ABA.

- El primer y el segundo tema no tienen demasiado contraste, incluso en las sonatas más elaboradas, lo que se conoce como monotematismo.

Haydn comenzó su carrera como compositor de música para tecla en el clave, aunque se sabe que hacia 1788 ya tenía un pianoforte. Rápidamente lo prefirió y eso hizo evolucionar su estilo. No obstante, la mayoría de sus sonatas fueron concebidas indistintamente para uno u otro instrumento, y nunca abandonarían del todo la digitalidad clavecinística. Sus requerimientos a este medio se hicieron aún mayores cuando, en su primer viaje a Londres, Haydn conoció los pianofortes ingleses, con su mecánica más pesada y sus posibilidades de obtener un sonido más sólido, facilitándose una técnica con más apoyo del brazo. Ello hizo evolucionar su carrera estilística de un modo que podemos resumir en varias etapas:

1.- Primeras sonatas: pueden interpretarse tanto al clave como al pianoforte, ya que no exigen muchos cambios de la dinámica. De hecho, se llaman aún Partitas. Son sonatas solemnes, con tempo moderato o allegro moderato en el primer tiempo.

2. - Las sonatas del segundo periodo fueron dedicadas en su mayoría al príncipe Esterházy.

3.- Existe un tercer momento de publicación de sonatas de Haydn. Curiosamente, sólo constan de dos movimientos. El idioma va evolucionando hacia la comprensión del pianoforte. Sin embargo, algunas de estas sonatas fueron revisadas y publicadas como trío de cuerdas.

4.- En las últimas sonatas, la complejidad técnica y el grado de virtuosismo exigido al intérprete aumentan considerablemente. Se trata de tres sonatas extraordinarias, dedicadas a la célebre virtuosa Therese Jansen, alumna de Clementi. Este nuevo virtuosismo se caracteriza por los siguientes rasgos: acordes extensos y sonoros, saltos, dobles notas, octavas, octavas partidas, staccatissmo, demostraciones de bravura, páginas llenas de sorprendentes referencias a la escritura orquestal (de esto ya había precedentes en algunas sonatas anteriores).

Nuevas sonatas descubiertas

Joseph Haydn no escribió 52 sonatas para piano como se pensó durante mucho tiempo. Seis nuevas sonatas fueron halladas en 1993 en la ciudad de Munster, cuando una anciana mostró a un profesor de música, experto en Haydn, los manuscritos que guardaba en su casa, a los que no había dado importancia. Contenían seis nuevas sonatas, cuya existencia intuían los especialistas en el compositor austríaco, pero que nunca habían visto la luz en su integridad. El hallazgo ha sido considerado como un acontecimiento de la musicología de este siglo. Los expertos y musicólogos creen que estas seis sonatas se encuentran entre las primeras escritas por Haydn para pianoforte. Se estrenaron a principios de 1994. En total, hoy en día se reconocen 62 sonatas para piano escritas por Haydn.

Escrito por Clara Á. Luna

Sonata en Re M, Hob. XVI:37 (1er mov.), interpretada al pianoforte, con partitura.

Hijos músicos de Johann Sebastian Bach

Familia Bach

Bach encabezó una familia numerosa con un total de veinte hijos. Tuvo siete hijos de su primer matrimonio, de los cuales sobrevivieron sólo cuatro, y trece del segundo, de los cuales sobrevivieron cinco. Su primera esposa fue su prima segunda, Maria Barbara Bach (1684-1720), con la que se casó en 1707. Su segunda esposa fue la cantante Anna Magdalena Wilcke (1701-1760), con la que contrajo matrimonio en 1721. Su segunda esposa es la célebre destinataria del "Cuaderno de Anna Magdalena” (1722, 1725), en alemán ‘Notenbüchlein für Anna Magdalena Bach’.

Hijos de J. S. Bach con Maria Barbara:

· Catharina Dorothea (*1708 † 1774)

· Wilhelm Friedemann, el Bach de Dresde y Halle (*1710 † 1784)

· Johann Christoph (*1713 † 1713)

· Maria Sophia (*1713 † 1713)

· Carl Philipp Emanuel, el Bach de Berlín y Hamburgo (*1714 † 1788)

· Johann Gottfried Bernhard (*1715 † 1739)

· Leopold Augustus (*1718 † 1719)

Hijos de J. S. Bach con Anna Magdalena:

· Christiana Sophia Henrietta (* 1723; † 1726)

· Gottfried Heinrich Bach (* 1724; † 1763)

· Christian Gottlieb Bach (* 1725; † 1728)

· Elisabeth Juliana Friederica Bach, llamada «Liesgen» (* 1726; † 1781)

· Ernestus Andreas Bach (* 1727; † 1727)

· Regina Johanna Bach (* 1728; † 1733)

· Christiana Benedicta Bach (* 1729; † 1730)

· Christiana Dorothea Bach (* 1731; † 1732)

· Johann Christoph Friedrich Bach, el Bach de Bückeburg (* 1732; † 1795)

· Johann August Abraham Bach(* 1733; † 1733)

· Johann Christian Bach, el "Bach de Milán" y "Bach de Londres" (* 1735; † 1782)

· Johanna Carolina Bach (* 1737; † 1781)

· Regina Susanna Bach (* 1742; † 1809)

Cinco de los hijos se dedicaron a la música, aunque uno de ellos (Johann Gottfried Bernhard) abandonó su carrera y murió prematuramente a los 24 años. Los otros cuatro llegaron a convertirse en compositores e intérpretes reputados por derecho propio, Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), de quien Wolfgang Amadeus Mozart tenía muy buena opinión, Johann Christoph Friedrich Bach (1732-1795) y Johann Christian Bach (1735-1782), epígono de la época preclásica y una de las influencias principales de Mozart, más que su hermano Carl Philipp Emanuel.

Wilhelm Friedemann Bach

Wilhelm Friedemann Bach (Weimar 1710 – Berlín 1784) fue el segundo de los veinte hijos de Johann Sebastian Bach. Bien dotado musicalmente, fue muy solicitado por su arte y su estilo a la hora de interpretar. De pequeño estudió música, composición e interpretación al teclado con su padre, que le dedicó el álbum “Clave-Büchlein” en 1720. Tras quedar huérfano de su madre, en 1720, no aceptó de buena gana a su madrastra, la joven cantante Anna Magdalena, a quien nunca estimó ni tuvo demasiado afecto. En el año 1750, tras el fallecimiento de su padre, tuvo problemas con las autoridades eclesiásticas. Falto de dinero, llegó a vender las obras que le correspondieron de la herencia de su padre (partituras originales manuscritas); tuvo que falsificar manuscritos y atribuir a su padre obras de otros. Dejó numerosas cantatas sacras, nueve sonatas para piano, preludios, corales, fugas y otros diversos.

Carl Philipp Emanuel Bach

Carl Philipp Emanuel Bach (Weimar 1714 – Hamburgo 1788) fue un músico y compositor alemán. Es a menudo referido como CPE Bach. Es considerado uno de los fundadores del estilo clásico y uno de los compositores más importantes del periodo galante, aparte de ser el último gran maestro del clave hasta el siglo XX. Carl Philipp Emanuel fue el quinto de los siete hijos de Johann Sebastian Bach y Maria Barbara. Fue uno de los clavecinistas más importantes de Europa. Después de la muerte de su padre en 1750 asumió como heredero una parte de los bienes familiares, especialmente gran cantidad de partituras, como cantatas. Acogió en su casa a su medio hermano Johann Christian, del que fue profesor. La obra de CPE Bach se sitúa entre el Barroco y el Clasicismo, como principal representante del Empfindsamer Stil, movimiento musical similar al posterior Sturm und Drang, que presenta unos primeros elementos del Romanticismo. Destaca sobre todo por haber contribuido al desarrollo de la sonata en sentido moderno, siendo precursor en este punto de la obra de Haydn, Mozart y Beethoven. Carl Philipp Emanuel dijo que en la composición y en la interpretación pianística no había tenido nunca otro profesor que su padre. Estudiar su obra proporcionó la mejor parte de la formación de Haydn. Tanto Haydn como Mozart adoptaron elementos de su lenguaje en sus obras instrumentales. Beethoven expresó la más cordial admiración y respeto por su genio.

En 1753 publicó ‘Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen’ (Ensayo sobre el verdadero arte de tocar los instrumentos de tecla), un tratado sistemático y magistral que tuvo enorme éxito, del que salieron varias ediciones en poco tiempo. Es la base para métodos posteriores, como los de Muzio Clementi y Johann Baptist Cramer. En él, C.P.E. es el primero en hablar del rubato. Además, nos habla por primera vez de cómo hacer los adornos, y cómo limitar la improvisación a la hora de la ejecución. Precisamente él sienta las bases de una música más exacta, donde no se le dé libertades improvisadoras al ejecutante; se trata de escribir la partitura con más exactitud, acogiéndose al "buen gusto". En él, rompe con tradiciones técnicas, por ejemplo, fomentando el uso del pulgar o digitando acordes, etc, lo que se convirtió en la técnica estándar y continúa hasta nuestros días. También, C.P.E. expresa sus ideas acerca del contrapunto y el bajo cifrado, y su preferencia por una aproximación contrapuntística a la armonización, en contra de las nuevas ideas armónicas de Rameau.

Johann Christoph Friedrich Bach

Johann Christoph Friedrich Bach (Leipzig 1732 - Bückeburg 1795) estudió música y composición con su padre, en Leipzig. Fue músico de cámara del Conde de Schaumburg-Lippe. Más tarde ejerció el cargo de maestro de capilla al servicio del conde Guillermo de Bükeburg, motivo por el cual es conocido como "el Bach de Bükeburg". Es el más clasicista y equilibrado de los hijos de Johann Sebastian Bach. Entre sus obras destacan su oratorio ‘La infancia de Jesús’, la sonata ‘Casandra’, los ‘cánticos espirituales’, el ‘Concerto grosso en mi bemol’ y sus catorce sinfonías, así como su música de cámara, música dramática y diferentes canciones populares.

Johann Christian Bach

Johann Christian Bach (Leipzig 1735 – Londres 1782) es el menor de los veinte hijos de Johann Sebastian Bach. Es también conocido como "el Bach milanés" o "el Bach londinense". Desde muy pequeño tomó lecciones musicales y de composición con su padre. A la muerte de su padre, en 1750, se quedó en Leipzig con su madre Anna Magdalena y sus hermanas pequeñas; en la herencia recibió de su padre tres claves con pedales. Ese mismo año se trasladó a la casa de su hermano Carl Philipp Emanuel en Berlín, donde se formó musicalmente con éste (utilizando su célebre Tratado) y recibió estímulos del círculo musical berlinés y de la Ópera. A diferencia de los otros miembros de su familia, todos ellos centrados en la música instrumental y sacra, Johann Christian cultivó la ópera. En 1762 viajó a Londres. Allí en 1764 entabló relación con el todavía niño Wolfgang Amadeus Mozart, a quien tuvo en sus rodillas, y sobre el que ejerció una influencia decisiva, quedando a la vez asombrado de sus dotes. Se casó con la soprano Cecilia Grassi en 1766, y no tuvo hijos. Es autor de una extensa obra: música sacra, sinfonías, música de cámara y conciertos para piano.

Bach y sus hijos Gottfried Heinrich, Carl Philipp Emmanuel y Wilhelm Friedman.

Escrito por Clara Á. Luna

Wilhelm Friedemann Bach: polonesa en mi menor

Carl Philipp Emanuel Bach: fantasía en do menor

Johann Christoph Friedrich Bach: allegretto en fa mayor

Johann Christian Bach: concierto para pianoforte en sol mayor

Juan Crisóstomo de Arriaga, el Mozart Español

Introducción

Juan Crisóstomo Jacobo Antonio de Arriaga y Balzola, nacido el 27 de enero de 1806 en Bilbao, fue un compositor al que se le llegó a conocer como el "Mozart" español desués de morir a la temprana edad de 19 años el 17 de enero de 1826. Este apodo se debió a una serie de coincidencias con el compositor austriaco, como la misma fecha de nacimiento, el mismo primer y segundo nombre de pila, pero sobre todo por su genialidad y su facilidad compositiva, tanto es así que debido a su precocidad siempre se le consideró un niño prodigio.

Temprana edad

Juan Crisóstomo de Arriaga pertenecía a una familia de 8 hermanos, fue su padre don Juan Simón de Arriaga organista de la iglesia parroquial de Berriatúa quien empezaría la educación musical de Juan Crisóstomo ayudado además por su hermano mayor Ramón Prudencio, considerado gran virtuoso del violín y guitarra.

De niño asistió a los conciertos de la Sociedad Filarmónica de Bilbao, lo que hizo despertar aún más su pasión por la música, y a la edad de 11 años, en 1817, compuso una pieza que inicialmente tituló Ensayo de Octeto. Esta pieza fue entregada a José Luis de Torres, noble de Ceánuri e hijo póstumo del Teniente don Joaquín de Torres, quien escribió en la primera página de la obra “Nada y Mucho” refiriéndose a que en sí, la pieza no tenía ningún valor, pero que al ser compuesta por un niño de 11 años hablaba de un prodigio y un futuro gran compositor.

La pieza se componía de dos tiempos, Andante Mosso y Polaca, estaba escrita para 2 violines, una viola, un contrabajo, una trompa y un pianoforte. En la partitura y en la forma de escritura se puede apreciar cómo incluso a tan temprana edad ya conocía la escritura de esos instrumentos. Aun así en la imagen se puede apreciar como la escritura y tachones son algo infantiles. *

La segunda pieza la compuso a la edad de 12 años, en 1818, fue una obertura para dos violines, viola, contrabajo, cello, flauta y dos clarinetes. Estaba dedicada a la Academia y Sociedad Filarmónica, tenía bellas y sencillas melodías características de su facilidad compositiva. Él la consideró como su primera obra, llevando el número 1 en la portada, además hoy se considera como su Op. 1. Tiene forma de sonata, que al ser de larga extensión se le denomina “Nonetto”. La estructura de la obra es muy sólida, y sin ni siquiera haber tenido ningún tipo de estudios de armonía, gracias a la gran influencia de la Sociedad Filarmónica, el estilo se corresponde con el de la época. **

En ese mismo año moriría su madre.

La adolescencia y primera etapa en París

En 1819 compuso los que serían sus Op. 2, 3 y 4. El Op. 2 era una Marcha militar para banda, el Op. 3 un himno patriótico que llamó “Ya luce”, compuesto para coro y orquesta, y el Op. 4 otro himno patriótico “Cántabros nobles” compuesto para tenor y bajo. Aunque también está catalogada en ese año una Romanza para pianoforte y 3 estudios o caprichos.

Animado por sus amigos, en ese año empezaría a componer una ópera con el libreto de Los Esclavos Felices de Luciano Francisco Comella, la terminó en 1820 a la edad de 13 años. Fue en Bilbao donde se estrenaría, cosechando un gran éxito, fue tal el éxito que el conocido tenor y compositor Manuel del Pópulo Vicente García se la pidió al padre de Arriaga para representarla en el Teatro Italiano de París, recibiendo muy buena crítica de los periódicos locales sorprendidos de cómo sin conocer armonía pudiera componer de manera tan estructurada y brillante. Arriaga la subtituló subtituló como Ópera semiseria en dos actos y cinco cuadros.

No se conserva la ópera entera ya que fue guardada en una azotea durante mucho tiempo y por el deterioro sólo se pudo reconstruir la obertura y algunas partes: de los más de treinta números del libreto, la Obertura, la Marcha mora, la Cavatina de Elvira y el Dúo de Alfonso y Elvira.

"Por su aparente simplicidad, nos encontramos ante una obra que constituye un paso importantísimo para un niño de pocos años de edad. Su perfecto acabado, la belleza de los fragmentos confiados a la cuerda y el tratamiento que Arriaga otorga a la textura, son caracteres que dan a la pieza una frescura única. Si a este añadimos las peculiaridades rítmicas de la obra, convendremos en que nos hallamos ante una composición marcada de forma instintiva e indudable para el teatro y atenta a sus fines...; no poca cosa." – José Antonio Gómez Rodríguez, Profesor de Musicología e Historia del Arte en la universidad de Oviedo.

Debido a que el catálogo es el mismo que el propio autor se auto designó, no se conservan todo los Opus, el siguiente conservado fue un cuarteto de cuerda sobre un tema original con variaciones para violín, éste lleva el número de Opus 17, fue compuesta en 1820.

En 1820 compuso un cuarteto sobre tema original con variaciones para violín que lleva el número opus 17. Al año siguiente y con 15 años compuso "La húngara", un conjunto de variaciones para violín y contrabajo que luego transformará en cuarteto de cuerdas. En 1821 compuso su Obertura Op. 20 también compuso un “Stabat Mater” que presentaría al conservatorio de París para su ingreso, al que fue alentado a entrar por su padre dada su capacidad y su genialidad, entonces el conservatorio de París era una de las cumbres de la música europea.

Tras ser aceptado en el conservatorio de París, marchó a vivir allí el 26 de septiembre de 1821. Allí estudiaría violín con Pierre Marie François de Sales Baillot, profesor titular del instrumento, y contrapunto con François Joseph Fétis y Maria Luigi Carlo Zenobio Salvatore Cherubini director del conservatorio, profesores todos de primera línea, quienes trasmitirían a Arriaga toda la teoría de armonía, interpretación y composición.

“Sus progresos fueron prodigiosos, menos tres meses le bastaron para adquirir un conocimiento perfecto de la armonía, y al cabo de dos años no tenía ninguna dificultad en el contrapunto y la fuga. Los progresos de este joven músico en el arte de tocar el violín no fueron menos rápidos, la naturaleza lo había organizado para hacer bien todo lo concerniente a la música.” - François Joseph Fétis.

Tardó dos años en graduarse, siendo premiado por la obra con la que se graduó, la fuga a ocho voces “Et vitam venturi saeculi”, una pieza sacra basada en el Credo, Cherubini la evaluó de “muy buena”. Esta pieza no se ha conservado.

París y la sinfonía en Re menor

Las obras más importantes compuestas en París, o de las consideradas más importantes, fueron sus 3 cuartetos para cuerda, titulados “1er libre de Quatuors”.

Estos cuartetos fueron compuestos a la edad de 17 años, de las tres obras de gran originalidad la más serena fue el primer cuarteto, y el menos sólido el tercero que presenta aires Beethovenianos en algunos de los pasajes, con momentos muy íntimos y románticos. De la nota al principio del libro “1er livre” podemos deducir que Arriaga pretendía seguir cultivando esta forma músical. En líneas generales podríamos decir que los cuartetos constituyen el núcleo del cuerpo de las obras de Arriaga. De éstas Fétis llegaría a decir “... es imposible imaginar nada más original, más elegante, ni escrito con mayor pureza que estos cuartetos...”.

Tras graduarse, dos años después de entrar en el conservatorio de París se convertiría en profesor ayudante de Fétis, impartiendo asignaturas que él había aprendido en tan solo dos años.

La obra más madura y razonada de Juan Crisóstomo Arriaga es la sinfonía en Re menor para gran orquesta, fue compuesta entre 1824 y 1826. Ésta no fue interpretada durante la corta vida del autor, sino que se interpretó por primera vez en 1888.

"La introducción a la misma, un Adagio (4:4) de 35 compases previos al Allegro vivace (2:4) que inicia el primer movimiento es mucho mayor que cualquiera de las introducciones de los Cuartetos. No constituye una "preparación" acústica en la órbita de la dominante previa al Allegro; no reaparece ni en todo ni en parte a lo largo del extenso primer movimiento, a diferencia de los cuartetos, el Adagio de la Sinfonía no está vinculado a la estructura del Rondó sino a las formas de la sonata.

Dicho Adagio surge de motivos al allegro vivace que sigue y gesta un motivo descendente de tres notas que unifica temáticamente a la obra. Llama nuestra atención el hecho de que en vez de introducirnos en una espléndida y radiante tonalidad de Re mayor (tan cara a nuestro compositor dicho sea de paso) a través de y fluctuante re menor, por ejemplo el proceder de Arriaga es, curiosamente el contrario: 35 compases iniciales que giran en torno de la tónica mayor para ir a parar a la tonalidad de Re menor del Allegro vivace inicial. Eso sí, a través de diversas modulaciones: Mi menor, Fa sostenido menor, La mayor, Re menor. Si menor... El significado de su elección modal no se hace evidente hasta el último movimiento, que, escrito en la tonalidad de Re menor, finaliza en la de homónimo. La solución es perfecta: los cuatro movimientos de que consta la obra quedan enmarcados por sendas columnas cuya tonalidad, arroja luz a un conjunto de excepcional armonía.

Por otra parte, la Sinfonía ejemplifica mejor que ninguna otra obra de Arriaga el poder generativo de los materiales temáticos que el compositor utiliza. Otro ejemplo: buena parte de los que aparecen en el primer movimiento de esta obra no son más que una consecuencia lógica del desarrollo de las ideas con las que la obra se inicia (cc 1-4), ideas que posteriormente habrán de ser dilatadas, combinadas y desarrolladas". – José Antonio Gómez Rodríguez, Profesor de Musicología e Historia del Arte en la universidad de Oviedo.

Durante el tiempo que estuvo trabajando junto a Fétis compuso también otras obras a parte de la sinfonía, entre ellas compuso Erminia, una escena lírica de un acto dividida en dos cuadros, Medea, un aria para soprano con acompañamiento orquestal, Edipo, obra para tenor con acompañamiento orquestal, All´Aurora es una obra para tenor, bajo y orquesta. Estas obras pertenecen al período más formado del compositor, y la época que más compuso, es la música más madura y solemne.

Por último, se conoce la obra denominada Agar; se sospecha que esta sería la última de sus composiciones porque los dos últimos compases de la partitura original están escritos con distinta grafía que la del compositor. Todas estas obras datan de 1825.

Su muerte

La gran e intensa actividad que tuvo durante su vida le fue debilitando, tanto que acabó teniendo que guardar cama, siendo visitado en París por Cirilo Pérez de Nenín y el profesor de piano del Conservatorio de Madrid: Pedro Albéniz durante el tiempo que estuvo en cama, falleció en brazos de Albéniz el 17 de enero de 1826, siendo su cuerpo llevado al Cementerio Norte de Montmartre y enterrado en una fosa común.

Pedro Albeniz escribió al padre del extinto compositor:

"Tuve a la satisfacción de haberme tratado con él muy cerca de seis meses y de haberle visitado hasta el día que expiró. De su enfermedad no puedo decir a usted otra cosa sino que, a mi parecer, fue una afección de pecho, que pudo tener su origen en las fatigosas tareas que llevaba en el Conservatorio en la sección de contrapunto, además de lo que él trabajaba en composiciones particulares en casa. Esta fatal pérdida no sólo ha sido para usted una gran desgracia, sino que también lo es para el arte de la música."

Sus pertenencias fueron devueltas a su padre en Bilbao, las cuales acabaron en un desván, cuando a los cuarenta años de su fallecimiento serían recuperadas por un sobrino, Emiliano de Arriaga, que recompuso los restos de las obras de Juan Crisóstomo de Arriaga.

Citas

* He encontrado una gran confusión en la obra nada y mucho, ya que las copias que he encontrado son todas menos una para tres violines, y no para octeto, lo cual me hace pensar que en primera estancia la compusiera para octeto pero fuese arreglada más tarde para tres violines.

** En un fragmento de la Obertura Op. 1 tras la mitad, hay un fragmento idéntico al comienzo del cuarto movimiento de la primera sinfonía de Beethoven, lo que indica que ya conocía la música de Beethoven a través de la Sociedad Filarmónica de Bilbao, ya que además en ciertas momentos de sus obras se pueden escuchar similitudes con el compositor alemán, pese a que nunca tuvieron contacto en vida.

Bibliografía

-Enciclopedia universal Larousse ed. 1998.

-http://www.sinfoniavirtual.com/revista/001/juan_cristomo_arriaga.php

-Enciclopedia Británica.

-Enciclopedia Microsoft Encarta 2010.

-http://www.bilbao.net/cs/Satellite/juanCrisostomoArriaga/Vida-y-obra/es/100137934/Contenido_Detalle

-http://www.bilbao.net/cs/Satellite/juanCrisostomoArriaga/Musica-instrumental/es/100137951/ListadosMusica?descripcion=M%C3%BAsica+instrumental

-http://www.bilbao.net/cs/Satellite/juanCrisostomoArriaga/Musica-vocal-dramatica/es/100137954/ListadosMusica?descripcion=M%C3%BAsica+vocal+dram%C3%A1tica

-http://www.bilbao.net/cs/Satellite/juanCrisostomoArriaga/Musica-vocal-religiosa/es/100137957/ListadosMusica?descripcion=M%C3%BAsica+vocal+religiosa

-http://www.bilbao.net/cs/Satellite/juanCrisostomoArriaga/Musica-incidental-y-varia/es/100137960/ListadosMusica?descripcion=M%C3%BAsica+incidental+y+varia

-http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=%209112

-http://www.arriagaobrascompletas.com/

-http://recuerdosdepandora.com/historia/juan-crisostomo-de-arriaga-el-mozart-espanol/

-http://www.filomusica.com/filo22/jenri.html

Escrito por Carlos Mora